Inszenierte Räume / Performance / performative Ausstellung

Manche Orte sind einfach völlig verloren. Die Zeit hat eine falsche Abzweigung genommen und alles ist dann nur noch tödlich. Wie auf einem anderen Stern. Oder Schiffsfriedhöfe in Indien. Riesige wüste rostige Landschaften. Irgendwo stehen Tanker wie Schlösser in der luftleeren Landschaft und werden von prekär beschäftigten Schlossern auseinandergeschraubt. Wenn du mir jetzt deine Treue versprichst, dann ist das gleichzeitig schon der Anfang vom Ende. Wenn du jetzt mir die Hand bedeutungsvoll reichst und das ernst meinst, dann ist das so wie wenn wir zwei zusammen eine Mausefalle aufspannen, die dann irgendwann später zuschnappt. Es riecht scheisse hier. In jedem dieser Räume. Ein bisschen anders. Ein bisschen spezifisch. Aber so dass mir gleich ganz wirre Gedanken kommen. Wie du das immer erträgst so ruhig zu bleiben und mich so in dir ruhend anzusehen und deine Stimme ist dann ganz ruhig und kalt und gelassen. Das regt mich so auf. Das kann ich dir gar nicht beschreiben. So jetzt gehe ich raus hier. In diese unattraktive mittelgrosse deutsche Kleinstadt und schaue mir an wie ein Land trauert. Immer noch. An dem Fluss, dem schnellen.

„Ein Weg des Scheiterns wird uns vorgezeichnet: „Du wirst, was auch immer du tust, nicht das erreichen, was du vor dir schweben siehst auf dem Berg da hinten“, flüstert die Frau in das Dunkel des Raumes hinein, der allein vom Störflimmern eines alten Fernsehgerätes matt erhellt wird. Dann schickt sie uns zurück in den Korridor, zurück zu den unheilvoll grollenden Klängen, die in den alten Mauern widerhallen, zurück zu den rätselhaften Bewohnern und ihren irrlichternden Geschichten, die dieses Gebäude bevölkern und uns immer weiter vorantreiben. (…) Alle analytische Nüchternheit ist schnell dahin, während man in dem Gebäude umherwandert und dabei zusehends von dem Gefühl beseelt wird, man schreite durch die Architektur gewordenen Kammern eines fieberträumenden Bewusstseins, das aus dem Zusammenwirken der Darsteller und der Installationen geformt wird.“ Inspiriert von Franz Kafkas „Das Schloss“ erweckt Theater Performance Kunst RAMPIG ein verlassenes Haus in Heidelberg zum Leben und erschafft ein „(Gesamt-) Kunstwerk, das in seiner Intensität seinesgleichen sucht“. (Mannheimer Morgen)

Ausgezeichnet mit dem Jugendbildungspreis Baden-Württemberg 2014.

Unter der künstlerischen Leitung von Beata Anna Schmutz, inspiriert von Kafkas „Das Schloss“, mit Texten von Christopher Kriese und RAMPIG, Videoarbeiten von Christina Stihler und RAMPIG, Soundinstallationen von Tobias Neumann und Katalog von Stefan Roesinger.

RAMPIG Team DAS SCHLOSS: Sebastian Arnd, Benjamin Bay, Friedrich Blam, Tim Fischer, Christoph Hack, Nils Kirchgeßner, Lea Langenfelder, Karolina Lesna, Sophie Lichtenberg, Sarah-Lina Mantler, Anna Müller, Luca Pauer, Nicolas Rauch, Beata Anna Schmutz, Stephan Schmutz, Gediminas Schüppenhauer, Karoline Stegmann, Cornelius Thomas, Marisa Wojtkowiak.

Gastkünstler: Nikola Haubner, Christopher Kriese, Liz Langenfelder, Tobias Neumann, Melanie Riester, Stefan Roesinger, Christina Stihler.

Dank an: Leoni Awischus, Julian Maier, Celina Aithal, Robert Bucholz, Jianna Dimitriou, Johann Thomas, Saioa Alvarez Ruiz, Malte Fischer, Levin Strack, Elvira Schenk, Amt für Baurecht und Denkmalschutz Heidelberg, Amt für Liegenschaften Heidelberg, Haus der Jugend Heidelberg, Hausmeisterservice Menzos, Gemüsebau Schlicksupp, Second-Hand Kaufhaus bric & brac, Staatliches Museum für Naturkunde Karlsruhe, Bauschreinerei Stein, Familien Langenfelder, Kirchgeßner, Fischer, Thomas, Awischus, Blam, Arnd, Lesna und Lichtenberg.

Gefördert durch den Landesverband Freier Theater Baden-Württemberg e.V. aus Mitteln des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst des Landes Baden-Württemberg, das Kulturamt der Stadt Mannheim, die LBBW-Bank Stiftung und die Jugendstiftung Baden-Württemberg.

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Und wenn dann die rasenden rollenden regen
hinter den meeresspiegel fallen
und ich über die kante des wahnsinns kippe
frage ich mich
ob es nicht dunkle milch der erlösung ist
die tropft aus den enttäuschungen

RAMPIG untersucht „Die Tragödie von Hamlet, Prinz von Dänemark“ von William Shakespeare. Den Grundstock bildet dabei das zeitgenössische Textmaterial von Christopher Kriese „ich bin nicht hamlet“, „ich bin hamlet“ und „bin ich hamlet oder bin ich’s nicht ist das ein titel oder ein gedicht“, das in dieser Inszenierung uraufgeführt wird und mit der das Kollektiv zum 34. Theatertreffen der Jugend der Bundeswettbewerbe Berliner Festspiele eingeladen wurde.

„Die Gruppe hat aus ihrem virtuosen Tanz durch die schöngeistigen Disziplinen eine Form- und Zeichensprache entwickelt, die mehr als sitzt. (…) Ihre zitierende Arbeitsweise ist mit der Gruppe gewachsen und entwickelt nun eine Schlagkraft, sie wird zur Marke. (…) Es scheint, RAMPIG hätte für das, was sie von Hamlet zu erzählen haben, ihre Theatersprache perfektioniert. Und wenn der Rausch dann vorbei ist, und wir vergeblich auf den roten Vorhang warten und statt dessen in einer Ausstellung sitzen, dann fragen wir uns, ist das ein neues Kuratieren? Kuratiert RAMPIG im Spiel?“ (Die Jury zur Auswahl)

„Vorne tobt Hamlets multipel besetzter Wahnsinn, daneben wird getanzt, in der Ecke performt, während an der Bühnenwand live ein Gemälde entsteht. Hier spielt die Musik; und Videos flimmern, die Angst und Unsicherheit assoziieren und damit psychologisch gleichwohl die Lebenssituation der Hauptfigur wie auch der rund 25 Darsteller spiegeln. Dass Rampig mit diesem bemerkenswerten „Hamlet“ im vergangenen Jahr zum Theatertreffen der Jugend ins Haus der Berliner Festspiele eingeladen wurden, ist somit kein Wunder.“ (Theater der Zeit)

„Theatrale und performative Elemente vermischen sich mit Zitaten aus Malerei und Musik (…) zu einem kleinteiligen Gesamtkunstwerk, das an seiner eigenen Ambivalenz zwischen unbändiger Stärke und sensibler Feinsinnigkeit permanent zu zerreißen droht. Diesem Spannungsverhältnis begegnet die Regisseurin mit überwältigenden, bisweilen provokativen und gar anfeindenden Bildern, die sich, nicht zuletzt dank des leidenschaftlich im Spiel aufgehenden Ensembles, zu einem grandiosen Theaterabend fügen.“ (Mannheimer Morgen)

Die Titelfigur verkörpert die ganze Generation Hamlet, die Generation der zwanzig- und dreißigjährigen gut ausgebildeten, weit reisenden, Kultur, Medien und Fremdsprachen beherrschenden, hedonistischen jungen Menschen. Wie den Schauspielerinnen und Schauspielern stehen ihm scheinbar viele Möglichkeiten für die Gestaltung seines Lebens offen. Diese Vielfalt und Freiheit überfordert ihn jedoch, schwächt seine Entscheidungskraft. Auf der Suche nach einem Lebensziel gerät er in einen Fleischwolf der Gefühle, berauscht sich exzessiv an der eigenen Selbstfindung und verliert sich dabei. Getrieben von einem inneren Auftrag die Welt wieder in Ordnung zu bringen, wütet er in einem Blutrausch und vernichtet das, wofür er gekämpft hat- seine Familie und am Ende auch sich selbst. Das gesuchte Paradies gleicht bald einem Schlachthof, einem Ort der puren Fleischverwertung.

Die bereits etablierte Arbeitsweise des Ensembles, die Schauspiel mit interaktiver Performance und Bildender Kunst verbindet, findet in dieser Inszenierung neue Ausdrucksformen. Fleischig sinnliche Bilder können von den Zuschauern aus verschiedenen Perspektiven betrachtet werden. So korrespondieren diese performativen Elemente mit dem komplexen Raumkonzept von Nicolas Rauch und Sophie Lichtenberg.

Verstärkt wurde die Verbindung zur Malerei: Während der Aufführungen entsteht ein raumgroßes Ölgemälde, das sowohl eigenständiges Kunstwerk ist, als auch Teil der Rauminstallation. Die Beteiligung des Künstlers Christian Patruno erweitert in diesem Sinne konsequent die theatralischen Grenzen des Projektes.

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„Das Böse in der Welt geht fast immer von Unwissenheit aus. Der gute Wille kann ebenso viel Schaden anrichten wie die Bosheit, wenn er nicht aufgeklärt ist. Die Menschen sind eher gut als böse.“ RAMPIG nutzt den literarischen Text des französischen Romans „La Peste“ von Albert Camus aus dem Jahr 1947 für eine Analyse aktueller gesellschaftlicher Missstände. Die Geschichte der von der Pest befallenen Stadt und die Schicksale ihrer Bewohner bilden die Grundlage für mehrere sich aufeinander beziehende Performances, in denen der Kampf des Menschen gegen physische und moralische Zerstörung reflektiert wird. Verstörende Bilder und Szenen decken die Sinnlosigkeit der Weltordnung auf und loten philosophische Fragestellungen aus.

Der Konsum und die Schnelllebigkeit der heutigen Zeit werden aus einem distanzierten Blickwinkel betrachtet: Zwanzig junge Künstler*innen unterschiedlicher Sparten setzen sich künstlerisch mit den modernen Seuchen und ihren Auswirkungen auf das Individuum, angepasstes Dahinvegetieren, kritikloser Gehorsam und passiver Konsum, auseinander. Die Überzeugung, durch künstlerische Aktion eine Veränderung der besagten Missstände zu bewirken, ganz im Sinne von Joseph Beuys „Kann man durch Kunst die Welt verändern? Nur durch Kunst!“, ist Hauptidee der Inszenierung und gleichzeitig ein Experiment.

Ebenso experimentell ist der Theaterraum von Nicolas Rauch, in dem die klassische Trennung des Zuschauer- und Bühnenraumes aufgehoben ist. Vielmehr befinden sich die Zuschauer*innen in einer inszenierten Ausstellung, in der sie selbst entscheidet, wann und was sie sehen möchten. Die Erforschung der Theatergrenzen bedingt das Hinzuziehen weiterer Kunstgattungen: Eine aus 2500 Kartons bestehende Rauminstallation des Strategie-, Planungs- und Architekturkommandos SPAR*K aus Berlin sprengt die räumlichen Grenzen des Theatersaales, ebenso wie die Video- und Live-Übertragung ins soziale Netzwerk Facebook. Die von der Kostümbildnerin Melanie Riester für diese Inszenierung entworfene Modekollektion hebt das klassische Kostümkonzept auf und steht jedem frei zum Kauf.

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25 Darsteller*innen und Künstler*innen nutzen in experimenteller Art den Bühnenraum, um sich mit der Geschichte des erkenntnissuchenden Heinrich Faust auseinanderzusetzen und gleichzeitig die Konstrukte der Kultur und des Theaters kritisch zu analysieren.

Der literarische Text wurde dabei nicht nur untersucht, seine Tauglichkeit in der Gegenwart wurde unbedacht seiner Bedeutungsschwere in Frage gestellt, neu geordnet, durch zeitgenössische Texte ersetzt. Die Produktion vereint Rauminstallation, Videoperformance, Performance, Spiel und Improvisation. Die tradierten Grenzen einer Theateraufführung wurden dadurch aufgehoben: die Zuschauer*innen erwartete eine avantgarde Kunstaktion, die aus FAUSTSPIEL, FAUSTSHOP und den FAUSTORTEN bestand.

In einem zugleich aggressiven wie poetischen FAUSTSPIEL stehen zwei Figuren im Zentrum: Faust und Greta. Faust, der gerade 23 geworden ist, sucht nach einem Ziel in seinem Leben. Er will die Welt verändern, ist aber handlungsunfähig. Faust schwankt zwischen dem Opportunismus des bequemen Lebens und Revolution gegen die bestehenden Gesellschaftsstrukturen. Seine Tragödie beruht auf der von Anfang an zum Scheitern verurteilten Erkenntnissuche nach dem Sinn des Lebens. Greta dagegen formuliert den Sinn des Lebens in klaren Worten einer 18jährigen – sie möchte glücklich sein. Sie ist schön, sexy und intelligent. Greta gestaltet ihr Leben alleine und unbedarft. Beide sind ein lebendiger Beweis dessen, dass die Erkenntnissuche keine Frage des Alters ist. Sie formulieren die Existenzängste der heutigen Generation. Sie stehen exemplarisch für Zustandbeschreibung einer unglücklichen Jugend ohne Revolution und ohne Ziele.

Das FAUSTSPIEL bedient sich einerseits des schonungslosen psychologischen Schauspiels, andererseits der Performance. Die Darsteller*innen wechseln permanent zwischen der literarisch konstruierten Figur und ihrer eigenen Persönlichkeit. Ausgehend von der Geschichte der Faust-Theaterinszenierungen und Faust-Rezeption in der bildenden Kunst, die erschlagend umfassend ist, beruht die Inszenierung auf der Spannung zwischen der Verwertung des bekannten Materials, seiner Neueinordnung und der inhaltlichen Auseinandersetzung. Die Überspitzung dieses Vorgangs mündet in einem FAUSTSHOP, der ähnlich einem Souvenirladen die Hochkultur in einen kitschigen Popzirkus verwandelt.

Jeder der FAUSTORTE erinnert an ein Zimmer der 1960er Jahre. Das Publikum wird dazu eingeladen an den FAUSTORTEN Platz zu nehmen und diese als Studienort zu nutzen. Ausgestattet mit mannigfaltigen Mitteln der Recherche wie Bücher, Ton- und Filmmaterial sowie Internet, verleihen die FAUSTORTE den Zuschauer*innen eine ungewöhnliche Rolle und fordern zur eigenen Recherche und Partizipation auf. Jedem der Zuschauer*innen mit seinem bereits vorhandenen oder während der Aufführung neu erworbenen Wissen ermöglicht dies einen individuellen Zugang und eine eigene Interpretation der Theateraufführung. Die FAUSTORTE sind in diesem Sinne Zuschauer- und Bühnenraum zugleich.

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Die Inszenierung basiert auf Franz Kafkas Prosastück „Die Verwandlung“. Die Vorlage erzählt die verstörende Geschichte des Vertreters Gregor Samsa, der eines Morgens zu einem ungeheuren Ungeziefer gewandelt erwachte. In einem Labor, wo das sterile Weiß und skurrile Gegenstände die Atmosphäre bestimmen, werden die immer wiederkehrenden Strukturen des Lebens untersucht: Geburt, Sterben, Emotionalität und Sexualität, Macht und Abhängigkeit. Isoliert von den Zusammenhängen, die oft den Blick auf das Wesen der Sache versperren, wird schonungslos analysiert. Das grelle Neonlicht und die stets anwesende Live-Kamera ermöglichen den Zuschauer*innen den totalen Überblick. Sie sind von Anfang an in diesem Labor des Lebens gefangen, ein Teil der Inszenierung, ein Teil des Bühnenbildes, ein Bestandteil der Geschichte. Sie sind Zuschauer*innen und Darsteller*innen, Opfer und Täter*innen, Forscher*innen und Laborratten zugleich.

Nominiert für das 31. Theatertreffen der Jugend 2010.

„metamorphosis“ ist ein Wechselspiel zwischen der gewohnten theatralischen Beobachtung und eigenem Handeln auf der Bühne. Reale Welt und irreale Bühnengeschehen vermischen sich unmerklich, ebenso wie die Bühne und der Zuschauerraum, die zunächst streng voneinander getrennt scheinen und dann, während der Aufführung, ineinander übergehen. Die Fiktion des Theaters und die Realität der Zuschauer*innen werden zu einer Einheit. So verwandeln sich nicht nur der Protagonist und seine Familie, sondern alle Beteiligten.

Nach 97 Jahren seit der Entstehung des kafkaschen Textes und im Jahr des 126. Geburtstags von Franz Kafka wagten die 21 jungen Darsteller*innen und Künstler*innen einen weiteren Schritt des theatralischen Experimentierens. Die Theaterbesucher*innen erwartete kein homogener Theaterabend, sondern ein aus Textfragmenten, Rauminstallationen, Tanzperformance und Kunstausstellung bestehendes Erlebnis.

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Wer ist Antigone in Wirklichkeit? Ist sie eine verstaubte Figur der Antike? Ist sie eine Heldin? Oder eine Terroristin? Die Antigone dieser von Sophokles und Anouilh inspirierten Inszenierung ist ein It-Girl, mit all den oberflächlichen Manieren, hohen Stöckelschuhen und provozierend sexy Kleidern, sie ist ein junges Mädchen, über das man wöchentlich in der „Gala“ nachlesen kann. Dann gab es in ihrem Leben einen Bruch und die Chance, die Welt mit ihrer eigenen moralischen Gradlinigkeit zu verbessern.

Nominiert für das 30. Theatertreffen der Jugend 2009.

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